En la 14ª edición del Festival de Eurovisión de la Canción realizado en Madrid, transmitido por la cadena TMC (Télé Monte Carlo), Mónaco se presenta en el festival con un joven cantante que con las reglas actuales no podría participar, pues contaba sólo con doce años de edad. El hecho de que el intérprete fuera un niño y de que la canción fuera un pegadizo canto a la figura de la madre lo convirtieron en uno de los favoritos al primer puesto.

Se llamaba Jean Jacques Bertolai, había nacido en Toulon el 17 de enero de 1956 y todavía, a fecha de hoy, sigue siendo una figura desconocida. Apenas hay datos fidedignos sobre su biografía, salvo que grabó un segundo disco, muy promocionado por Télé-Montecarlo, que se llamaba “Tout seul au monde” y que hacía llorar a raudales. En algunos foros se lee que murió al año siguiente en un accidente de tráfico; en otros lugares se dice que se suicidó o que abandonó la música y se hizo jugador de rugby en su ciudad natal. Sin embargo, según antecedentes fidedignos aportados por una sobrina del cantante al editor de Lumen Lumine mediante email, Jean apareció nuevamente en 1975 con un LP titulado “Oublier ton nom” (Olvídate de tu nombre) publicado bajo su nuevo nombre artístico de Jean-Jacques Delarive; goza de buena salud, vive actualmente en Toulon, está casado y tiene dos hijos.

Jean Jacques - Mama

El joven Jean-Jacques hizo de aquella noche madrileña y eurovisiva su particular Día de la Madre. Con su trajecito azul turquesa y acompañado por el músico Achille Pellegrini al acordeón, el joven Jean-Jacques (acreditado en la pantalla como Jean-Jacquez, en un error de TVE española), protagonizó una gran actuación, a la altura de los demás, con fuerza y con entusiasmo, a pesar de los nervios y enfados que provocó en el muchacho la cambiante decisión sobre el traje con que había de actuar.

Jean Jacques - Mama

La canción, obra del compositor Jo Perrier en la letra y en la música, es un himno a la figura de la madre; el texto ofrece el relato de un niño a su madre en el que le cuenta haber soñado con el padre que nunca conoció. En Madrid estuvo dirigida por el maestro Hervé Roy, que en 1973 volvería con la delegación suiza y en 1979 con la luxemburguesa; fue el director musical de la película Emmanuelle (1974).

Jean Jacques - Mama

Cinco jurados incluyeron la canción monegasca en su veredicto, con el italiano a la cabeza de puntos otorgados (4); al final de las votaciones sumó 11 puntos que la dejaron en el sexto puesto de la tabla (o tercero, considerando el cuádruple empate en el primer puesto). Pero Jean-Jacques logró que aquella canción fuera un éxito a nivel mundial, tanto en la versión original como en las dos que grabó en otros idiomas (alemán, español e italiano). La cantante española Ana Kiro también grabó la versión en español, así como Emilio el Moro, que hizo una versión paródica.

¿Quién de nuestros padres no conoce a Jean Jacques con su versión en español y todo?

para saber más

Jean Jacques – Mama

video

Kyu Sakamoto - Sukiyaki

Kyu Sakamoto (10 de diciembre 1941 – fallecido el 12 de agosto de 1985), fue un popular cantante y actor japonés.

Nació en la prefectura Kawasaki, Kanagawa, Japón, y fue el más pequeño de los 9 hijos del matrimonio conformado por Hiroshi e Iku, trabajadores en un restaurante. Cuando empezó a estudiar la escuela básica comenzó a cantar. En 1958 se integró en el grupo de música vocal “Drifters”. Su canción más popular Ue o muite aruko (Mirando hacia arriba mientras camino), más conocida como Sukiyaki, fue un éxito en Japón y logró colocarse en el Nº 1 del Billboard pop charts en los Estados Unidos en el año 1963, siendo la única canción íntegramente en idioma japonés en lograrlo. De hecho, es la única canción japonesa conocida universalmente. El texto de la canción es en sí triste -algo desconocido para los melómanos- y en nada tiene que ver con el nombre comercial de Sukiyaki, que en realidad corresponde a un platillo japonés. Sin embargo, Sakamoto logró colocar otra canción en los charts, llamada “China Nights” (Shina no Yoru) que alcanzó el nº 58 en 1963. Otro tema de los más apreciados fue “Ashita ga Aru Sa” (Siempre hay un mañana), que fue retomado por la banda Ulfuls en el 2001.

Kyu trabajó intensamente en favor de las personas discapacitadas en Japón. “Ashita ga Aru Su” fue el tema de los II Juegos Paralímpicos, celebrados enTokio en 1964.

En 1985 Sakamoto murió trágicamente en el accidente aéreo del vuelo Japan Airlines vuelo 123. Antes de que el avión impactara fue capaz de escribir una nota de despedida a su esposa Yukiko Kashiwagi. Con ella tuvo 2 hijas, Hanako y Maiko.

Kyu Sakamoto – Sukiyaki

Ue o muite arukou
namida ga kobore naiyouni
omoidasu harunohi
hitoribotchi no yoru
Ue o muite arukou
nijinda hosi o kazoete
omoidasu natsunohi
hitoribotchi no yoru
Shiawase wa kumo no ueni
shiawase wa sora no ueni
Ue o muite arukou
namida ga kobore naiyouni
nakinagara aruku
hitoribotchi no yoru

(whistling)
omoidasu akinohi
hitoribotchi no yoru
Kanashimi wa hosino kageni
kanashimi wa tsukino kageni
Ue o muite arukou
namida ga kobore naiyouni
nakinagara aruku
hitoribotchi no yoru

Kyu Sakamoto – Sukiyaki en español

Miro hacia arriba cuando camino para que las lágrimas no caigan
Recordando esos días felices de primavera
Pero esta noche estoy completamente solo
Miro hacia arriba cuando camino, contando las estrellas con mis ojos llenos de lágrimas
Recordando esos días felices de verano
Pero esta noche estoy completamente solo
La felicidad descansa entre las nubes
La felicidad descansa sobre el cielo
Miro hacia arriba cuando camino para que las lágrimas no caigan
Aunque mi corazón se llena de dolor
Por esta noche estoy completamente solo

Recordando esos días felices de otoño
Pero esta noche estoy completamente solo
La tristeza se esconde en la sombra de las lágrimas
La tristeza acecha en la sombra de la luna
Miro hacia arriba cuando camino para que las lágrimas no caigan
Aunque mi corazón se llena de dolor
Por esta noche estoy completamente solo

Letra de una chica que se suicidó por amor en Nashville.
El suicida es un perdedor en la vida, es decir, uno que se perdió en la vida; una persona desesperada que no ha tenido la oportunidad de conocer a Cristo, el dador de la verdadera Fe y Esperanza necesaria para poder sobrevivir en este mundo que algunos han hecho tan inhóspito e injusto. Cristo -y no los psiquiatras, ni los partidos políticos ni los clubes deportivos ni las drogas- es la única esperanza para el ser humano.

step out the front door like a ghost into the fog
where no one notices the contrast of white on white.
and in between the moon and you
the angels get a better view
of the crumbling difference
between wrong and right.
i walk in the air, between the rain,
through myself and back again where?
i don’t know

i can’t see nothing,
nothing
round here (oh)
won’t you catch me if i’m falling?
won’t you catch me if i’m falling?
won’t you catch me cuz i’m falling down on you.
see i’m under the gun
round here
oh man i said i’m under the gun
round here
and i can’t see nothing,
nothing round here.

Sales por la puerta delantera como un fantasma
Hacia la niebla donde nadie se da cuenta
del contraste del blanco sobre el blanco

Y entre la luna y tú
los ángeles obtienen un mejor panorama
de la decadente diferencia
entre el bien y el mal

Camino en el aire entre la lluvia,
A través de mí y de regreso.
¿Hacia dónde? No lo sé
Maria dice que se está muriendo.
La escucho llorar a través de la puerta
¿Por qué? No lo sé

Aquí siempre nos paramos con la frente en alto
Por aquí algo irradia

María vino desde Nashville
Con una maleta en la mano
Dijo que le gustaría conocer un chico
Que se pareciera a Elvis
Ella camina a lo largo del borde
De donde el océano se encuentra con la tierra
Como si caminara sobre un alambre de circo
Estaciona su auto afuera de mi casa,
Se quita la ropa,
Dice que esta cerca de entender a Jesús
Sabe que es más que un pequeño mal entendido
Le es difícil actuar normal cuando está nerviosa

Aquí, esculpimos nuestros nombres;
aquí todos lucimos iguales;
aquí hablamos como leones
pero sacrificamos como ovejas
aquí

Ella se desliza por mis manos
ohhh niño dormido mejor corre como el viento,
fuera del sueño relámpago

La pequeña bebé de mamá mejor la deja entrar
fuera del sueño relámpago

Ella dice; “está sólo en mi cabeza”
Ella dice “shhh… lo sé, está sólo en mi cabeza”
Pero la chica en el estacionamiento dice:
“hombre, deberías intentarlo.
¿no ves que mis paredes están temblando?”

Luego ella mira hacia arriba al edificio y dice que piensa saltar.
Dice que está cansada de la vida,
debe estar cansada por algo.

Aquí
ella siempre está en mi mente
aquí, (oye hombre)
tengo bastante tiempo
aquí nadie te envía a la cama temprano
y nadie nos hace esperar
aquí nos quedamos despiertos hasta muy muy muy tarde

No puedo ver nada
Nada
Aquí (oh)
Me atraparás si caigo?
Me atraparás si caigo?
Me atraparás porque estoy cayendo sobre tí.

Ves estoy bajo el arma
aquí
oh hombre, dije que estoy bajo el arma
Aquí
y no puedo ver nada
nada
aquí.

Counting Crows – Round Here

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Counting Crows – Color Blind (I Am Ready For Love)

I am color…blind
Coffee black and egg white
Pull me out from inside
I am ready
I am ready
I am ready
I am
taffy stuck, tongue tied
Stuttered shook and uptied
Pull me out from inside
I am ready
I am ready
I am ready
I am…fine
I am covered in skin
No one gets to come in
Pull me out from inside
I am folded, and unfolded, and unfolding
I am
color…blind
Coffe blach and egg white
Pull me out from inside
I am ready
I am ready
I am ready
I am fine
I am fine
I am fine

Counting Crows – Color Blind (I Am Ready For Love)

Angelo Francesco Lavagnino, nacido el 22 de febrero de 1909 y fallecido el 21 de agosto de 1987, fue un destacado violinista y compositor italiano. Mejor conocido por escribir la música de decenas de películas, entre ellas La Maja Desnuda, Arenas de muerte, Gorgo, Daisy Miller, y dos dirigidas por Orson Welles, Otelo, Campanas a medianoche y Ester y el rey.

Entre la larga lista de sus películas se destacan Pistoleros de Arizona [1965], Ocaso de un pistolero [1965], Las pistolas del norte de Texas (Gli uomini dal passo pesante -1965], Desafío en Río Bravo [Sfida A Rio Bravo - 1965], Campanadas a medianoche [1965], Totò de Arabia [1964], Persecución implacable [The High Bright Sun - 1964], El corsario [1964], Demasiado cálido para junio [Hot Enough for June - 1964], El Zorro contra Maciste [Zorro contro Macist - 1963], Qué alegría vivir [Che gioia vivere- 1961], Puños de hierro [Maciste contro il vampiro - 1961], Le meraviglie di Aladino [1961], La espada del vencedor [Orazi e curiazi - 1961], El coloso de Rodas [Il colosso di Rodi - 1961], 5 mujeres marcadas [5 Branded Women - 1960], Los últimos días de Pompeya [Gli Ultimi Giorni di Pompei - 1959], Ferdinando I, re di Napoli [Ferdinando I, re di Napoli -1959], El viento no sabe leer [The Wind Cannot Read - 1958], Suor Letizia [1957], El conde Max [Il conte Max - 1957], Arenas de muerte [Legend of the Lost - 1957], Mi hijo Nerón [Mio figlio Nerone - 1956], Calabuch [1956], Totò y Carolina [1955], Cuando suena el tam tam [Tam tam mayumbe- 1955], La bella campesina [La bella mugnaia - 1955], El soltero [Lo scapolo - 1955], El matrimonio [1954], África bajo el mar [Africa sotto i mari - 1953], Otelo [The Tragedy of Othello: The Moor of Venice - 1952], Natale al campo [1948], etc.

En esta ocasión les dejo la maravillosa composición de la película Hércules contra Roma (Ercole contro Roma) del año 1964. La trama de la película data en Roma, el año 244 d.C. El prefecto Filipo el Árabe ha asesinado al emperador Gordiano y se ha hecho con el poder. Pero Hércules ha conseguido salvar a Ulpia, la hija de Gordiano, y con la ayuda de Quinto Trajano, gobernador de Panonia, conseguirá deponer al usurpador y sentar en el trono a Ulpia ahora desposada por Quinto Trajano.

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Breve historia y discografía

1.- Matchbox Twenty – Push (Manipular)

Ella dijo: no sé si alguna vez he sido lo suficientemente buena
Estoy un poco falta de práctica y creo que mi cabeza está derrumbándose
Y no sé si alguna vez he sido realmente amada
Por una parte esto me dolió
Y siento como que algo va a pasar
Estoy un poco enfadada
Bueno esto no se acaba aquí, no aquí
No tanto que te necesito alrededor
No me perteneces, debemos cambiar,
Si tan sólo debamos sentirnos bien

Coro:
Te quiero manipular a mi antojo
Bien, y lo haré
Bien, y lo haré
Quiero manipular a mi antojo
Bien y lo haré
Bien y lo haré
Te quiero tomar por lo que vales
Te quiero tomar por lo que vales
Sí, sí, bien y lo haré

Ella dijo: no sé por qué me mientes
Como yo soy muy poco sincera
Cuando pienso que la verdad va doler, sí
Y no sé por qué tan solo no podías quedarte conmigo
No puedes soportar estar cerca de mí
Cuando mi cara no parece querer brillar
Porque está un poquito sucia
Bien, no me quedo sola allí, dime cosas bonitas
Porque te he engañado, he estado equivocada
Y tú y tú no me conoces
Si bien yo no puedo cambiar
No haré nada de nada.

Coro

Oh pero no me apartes y lances fuera
Tan sólo espera un minuto, bien, esto se va a caer a pedazos
Las cosas que tenemos son una locura
No le metas prisa a esto, no le metas prisa a esto, niña, niña

Coro

She said I don’t know if I’ve ever been good enough.
I’m a little bit rusty, and I think my head is caving in,
And I don’t know if I’ve ever been really loved,
By a hand that’s touched me,
And I feel like something’s gonna give,
And I’m a little bit angry.
Well, this ain’t over, no, not here,
Not while I still need you around.
You don’t owe me, we might change,
Yeah, we just might feel good.

Chorus :
I wanna push you around,
Well, I will,
Well, I will,
I wanna push you down,
Well, I will,
Well, I will,
I wanna take you for granted,
I wanna take you for granted,
Yeah, yeah, well, I will.

She said I don’t know why you ever would lie to me,
Like I’m a little untrusting,
When I think that the truth is gonna hurt ya,
And I don’t know why you couldn’t just stay with me.
You couldn’t stand to be near me,
When my face don’t seem to want to shine,
‘Cause it’s a little bit dirty.
Well, don’t just stand there, say nice things to me,
‘Cause I’ve been cheated, I’ve been wronged,
And you, you don’t know me,
Yeah, well, I can’t change.
I won’t do anything at all.

Chorus

Oh, but don’t bowl me over.
Just wait a minute, well, it kinda fell apart,
Things get so crazy, crazy.
Don’t rush this baby, don’t rush this baby, baby.

2.- Matchbox Twenty – Real world

I wonder what it’s like to be the rainmaker
I wonder what it’s like to know that I made the rain
I’d store it in boxes with little yellow tags on everyone
And you can come and see them when I’m¡­done, when I’m done

I wonder what it’s like to be a super hero
I wonder where I’d go if I could fly around downtown
From some other planet, I get this funky high on the yellow sun
Boy I bet my friends will all be¡­stunned, they’re stunned

(Chorus)
Straight up, what did you hope to learn about here
If I were someone else, would this all fall apart
Strange, where were you, when we started this gig,

I wish the real world, would just stop hassling me

I wonder what it’s like to be the head honcho
I wonder what I’d do if they all did just what I said
I’d shout out an order, I think we’re out of this man get me some
Boy don’t make me wanna change my¡­tone, my tone
(Chorus)

Please don’t change, please don’t break
The only thing that seems to work at all is you
Please don’t change, at all from me
To you, and you to me
(Chorus)

Tommy Dorsey (1905 – 1956)

Biografía Tommy Dorsey

Frank Sinatra y la Tommy Dorsey Orchestra

Juntos y separados, los hermanos Dorsey fueron responsables de algunos de los temas musicales más memorables de la era del swing. Respaldado por muchos de los mejores músicos y cantantes de la época, superaron de forma progresiva las listas radiales con algunos de los mejores ritmos sin precedentes. Ellos siempre se esforzaron por ser los mejores en su campo. Pocos directores de orquesta podrían igualar sus logros.

Aunque los dos hermanos compartían el liderazgo, Tommy afrontó la dirección y la mayor parte del trabajo musical. Jimmy se limitó a sentarse con la orquesta y fue completamente feliz dejando que Tommy se hiciera cargo. Tommy, sin embargo, era bien conocido por su mal temperamento. Había gran unidad en la orquesta y a menudo Tommy esperaba demasiado de los que trabajaban con él. En Junio de 1935 la relación de ambos hermanos colapsó y decidieron una separación definitiva.

Prontamente la orquesta de Tommy se convirtió en la mejor banda de los EEUU, un título que él disfrutó en la mayor parte de la era del swing. En su orquesta participaron músicos estrellas como Bunny Berigan y Charlie Shavers, arreglistas Paul Weston, Axel Stordahl y Sy Oliver, cantantes como Frank Sinatra, Jack Leonard, Jo Stafford, Edythe Wright, Connie Haines, Anita Boyer y el grupo vocal de la Pied Pipers. La orquesta es considerada la mejor banda de baile de todos los tiempos y fue insuperable cuando se trataba de baladas. En 1942 se contrató a la sección de cuerdas de la Orquesta de Artie Shaw y ampliaron su sonido aún más.

A medida que la popularidad de la música de las grandes bandas empezó a decaer, en 1946 Tommy decidió dejar el negocio de la música. Sin embargo, no podría permanecer lejos por mucho tiempo y reformó su orquesta. Al año siguiente, junto a su hermano Jimmy, comenzó a filmar el rodaje de su película biográfica “The Fabulous Dorseys” (Dorsey El Fabuloso). Tommy luchó para mantener de nuevo al grupo. Por último, en 1953, Jimmy se reunió con él para formar una nueva banda, la “Dorsey Brothers Orchestra”. Con la ayuda de Jackie Gleason, difundieron uno de los programas de televisión más populares en la CBS en 1954, en un episodio de los cuales incluía la participación de un entonces desconocido y tímido Elvis Presley.

El final llegó de forma inesperada. Tommy murió en 1956, poco después de cumplir los cincuenta años por asfixia mientras dormía (apnea del sueño). Jimmy nunca se recuperó de la muerte de su hermano y no le sobreviviría mucho tiempo. Falleció siete meses más tarde, después de perder una batalla contra el cáncer.

Tommy Dorsey y su Orquesta – Ill Be Seeing You

Voz de Frank Sinatra. Una de las primeras canciones del gran Frank Sinatra, cuando era un perfecto desconocido en 1940. En el LP original figuran los nombres de todos los músicos, pero no se hace referencia a Sinatra en ninguna parte.

Sammy Kaye (1910 – 1987)

El sitio oficial de la Orquesta de Sammy Kaye.

El hijo de inmigrantes checos, Kaye comenzó a tocar el clarinete en bandas universitarias mientras estudiaba en la Universidad de Ohio. En la década de 1930 dirigió su propia orquesta en el Hotel Statler en Cleveland. Más tarde actuó en muchos de los mejores hoteles de Nueva York y protagonizó su propio programa de radio. Como vocalistas de su banda tuvo a Don Cornell, Jimmy Brown, Johnny McAfee , George Brandon, Maury Cruz, Marty McKenna, Tommy Ryan, Charlie Wilson y Arthur Wright.

Kaye se basó en varios trucos para hacer sus presentaciones más entretenidas. Su truco más famoso se llamaba ”¿Así que quiere liderar una banda.” Él llamaba a una persona del público al escenario para actuar como director de la orquesta.

En la banda de Kaye jamás participó algún músico verdaderamente memorable. De hecho, sus acompañantes eran con frecuencia más bien músicos del montón. Kaye, sin embargo, era muy estricto y exigía disciplina, y el sonido que salía de los instrumentos de sus hombres por lo general era impecable. La actitud dictatorial de Kaye como líder de la banda era bien conocida.

El famoso programa de radio de Kaye se trasladó a la televisión durante la década de 1950. Continuó grabando hasta la década de 1960. Finalmente se retiró al sur de California, aunque su orquesta siguió las presentaciones bajo la dirección del trompetista Roger Thorpe y se siguen presentando en la actualidad como la Orquesta de Sammy Kaye. Kaye murió de cáncer en 1987.

Sammy Kaye y su Orquesta -It’s Only a Paper Moon

Marilyn Monroe (1926 - 1962)

1.- Biografía de Marilyn Monroe.

2.- Web oficial de Marilyn Monroe.

La carrera de Marilyn Monroe como actriz duró 16 años. Hizo 29 películas, 24 de ellas en los primeros 8 años de su carrera.

Nacida como Norma Jeane Mortenson el 1 de junio de 1926 en el Hospital General de Los Angeles, su madre Gladys, una mala mujer vividora, jamás supo quien era el padre de su hija, por lo cual Marilyn jamás pudo conocer la verdadera identidad de su padre.

Debido a la inestabilidad mental de su madre y el hecho de que ella era soltera en el momento, Norma Jeane fue llevada a vivir con unos padres sustitutos: Albert e Ida Bolender. Fue aquí donde Marilyn vivió los primeros 7 años de su vida. Ella recuerda su infancia con los Bolender : “Ellos eran terriblemente estrictos … Me trataban con dureza.”

En 1933, Norma Jeane vivió brevemente con su madre Gladys, la cual comienza a mostrar signos de deterioro mental y en 1934 fue ingresada en un asilo de ancianos en la ciudad de Santa Mónica. Grace McKee, un amigo cercano de su madre se hizo cargo de la atención de la niña. Marilyn recuerda que McKee le decía … “No te preocupes, Norma Jeane. Tu vas a ser una hermosa niña cuando seas grande … una mujer importante, una estrella de cine.” Grace McKee estaba cautivado por Jean Harlow, una superestrella del cine de los años veinte, y Marilyn diría más tarde … “y así Jean Harlow era mi ídola.”

Pero la felicidad de la niña Norma no iba a durar tanto. McKee se casaría en 1935 y debido a graves dificultades financieras de él, Norma Jeane tuvo que ser entregada a un orfanato entre septiembre de 1935 y junio de 1937. Grace la visitaba con frecuencia, la llevaba al cine, le compraba ropa y le enseñaba cómo debía aplicarse maquillaje una jovencita. Norma Jeane se fue a vivir más tarde con varios de los familiares de Grace.

“El mundo a mi alrededor era una especie de sombra. Tuve que aprender a fingir con el fin de no ser víctima de la dureza y crueldad del mundo”

En septiembre de 1941 Norma Jeane volvió a vivir con Grace, cuando conoció a Jim Dougherty, cinco años mayor que ella, con el cual contrajo matrimonio por presiones de su tutor McKee. “Grace McKee arregló el matrimonio para mí, yo no tuve elección. No hay mucho que decir al respecto. No podía apoyarme, y tuvieron que resolver algo. Y así nos casamos.”

Dougherty se unió a la Marina Mercante en 1943 y en 1944 fue enviado al extranjero. Norma Jeane, mientras trabajaba en una fábrica de paracaídas en 1944, fue fotografiada por el Ejército como una promoción para mostrar a las mujeres norteamericanas en la línea de montaje que contribuían al esfuerzo de la guerra.Uno de los fotógrafos, David Conover, pidió tomar más fotos de ella. En la primavera de 1945, Norma era conocida como “el sueño de los fotógrafos” y ya había aparecido en 33 portadas de revistas nacionales.

En el otoño de 1946 se le concedió el divorcio … más tarde dijo: “Mi matrimonio no me hizo triste, pero no me hizo feliz. Mi marido y yo casi no hablábamos. Esto no fue porque estabamos enojados, simplemente no teníamos nada que decirnos… Me estaba muriendo de aburrimiento “.

El 23 de julio 1946 firmó un contrato con la Twentieth Century-Fox Studios. Ella eligió como nombre artístico el apellido de la familia de su madre, la familia Monroe.A partir de ahora iba a ser conocida como Marilyn Monroe para toda la eternidad. Su primer papel fue un rol secundario en la película “Scudda-Hoo! Scudda-Hay! , y fue despedida por expirar el contrato en agosto. Recontratada en 1948, Marilyn cantó su primera canción en la película “Ladies of the Chorus “.

El reprsentante Johnny Hyde, de la Agencia William Morris, se convirtió en su mentor y amante en 1949. En 1949, Marilyn aceptó posar desnuda para un calendario que ha sido un ícono sexual hasta el día de hoy, un hecho que iba a agitar la controversia más adelante en su carrera como una superestrella. Decía en esa época: “Hollywood es un lugar donde te pagan mil dólares por un beso y cincuenta centavos por tu alma”

Su primer trabajo serio como actriz vino en 1950 cuando ella tenía un papel pequeño pero crucial en “The Asphalt Jungle” (La jungla de asfalto) y recibió críticas favorables. “Clash by Night” en 1952 le valió varios avisos favorables … Alton Cook, del New York World-Telegram y Sun escribió … “una actriz contundente, una nueva estrella de talento, digna de todo…. Su papel aquí no es muy grande, pero ella lo hace todo bien”. El primer papel principal de Monroe fue en un rol dramático en “Don’t Bother to Knock”, también filmada en 1952.

Marilyn conoció a Joe DiMaggio a principios de 1952, ella tenía 25 años y tenía 37 años. DiMaggio, famoso y millonario deportista, recientemente retirado del béisbol, había expresado públicamente el deseo de conocer a esta famosa actriz. En febrero, el romance estaba en plena floración.

“Me sorprendió estar tan loca por Joe. Esperaba un relajado tipo deportista de Nueva York, y en su lugar me encontré con este hombre reservado que no trató de burlarse de mi! Me trataba como algo muy especial. Joe es un hombre muy decente, y hace que las otras personas se sientan decentes, también! “

En 1952, Marilyn comenzó a filmar “Niágara”, con Joseph Cotten … una película que iba a cimentar su estrellato. After her next big film, “Gentlemen Prefer Blondes”, she and Jane Russell signed their names and placed their hands and feet in the wet cement in front of the Chinese Theatre on Hollywood Boulevard…the same place she had visited with Gladys and Grace years earlier as a child. Después de su gran película “Gentlemen Prefer Blondes” (Los caballeros las prefieren rubias), ella y Jane Russell firmaron sus nombres y plasmaron sus manos y pies en el cemento fresco frente al Teatro Chino en Hollywood Boulevard …el conocido paseo de la fama, el mismo lugar que había visitado como turista con Gladys y Grace cuando era niña.

“Quiero ser una gran estrella más que nada. Es algo precioso”.

En 1954, la Fox suspende a Marilyn por no haber comparecido en el set de “Pink Tights”. El estudio se había negado a dejar que Marilyn leyera el guión antes de aceptar el papel. Ella pensaba que de acuerdo a su estatus de estrella debía tener algún derecho de decidir sobre el guión.

El 14 de enero Joe y Marilyn se casan. Joe había sido un tipo muy celoso desde chico y resentía la popularidad de Marilyn como símbolo sexual entre los demás hombres. Joe exigía de Marilyn el papel de un ama de casa, no una estrella de tal magnitud … el matrimonio estaba en problemas desde el principio. “Yo no quería renunciar a mi carrera, y eso es lo que Joe quería que yo hiciera.”

El Ejército le pidió ir en un viaje a Corea para entretener a las tropas durante cuatro días del mes de febrero. La gira entretuvo a más de 60.000 soldados, muchos de los cuales jamás habían visto una película de Monroe, pero la mayoría la había visto en fotografías de muchas revistas y periódicos. Ella fue un gran éxito. Joe no la acompañó en este viaje … explicando, “Joe odia a las multitudes y el glamour.”

El 29 de mayo, Marilyn comenzó a filmar “There’s No Business Like Show Business” (“No hay negocio como el Show Business”). Durante todo el verano estaba enferma con bronquitis y anemia. En este período de su vida, Marilyn empezó a mostrar los serios efectos secundarios de los somníferos que le había recetado su médico durante los últimos años … a menudo estaba aturdida, letárgica y llorando en el plató.

La famosa imagen en que a Marilyn se le levanta la falda mientras está de pie sobre las rejillas del escape de un aire acondicionado, recordada en inglés como “skirt blowing”, pertenece a una escena de la “Seven Year Itch”, filmada en 1954, e iba a ser un ícono de la fotografía de todos los tiempos.

En el otoño de 1954 Marilyn y Joe ys están separados … más tarde vendrá el divorcio. El 6 de octubre, Jerry Giesler hizo un anuncio de prensa y declaró que “… como su abogado, hablo en nombre de ella y sólo puedo decir que el conflicto de las carreras ha dado lugar a este hecho lamentable”. Ante el terrible acoso de la prensa y los paparazzil Marilyn respondió con voz ahogada: “No puedo decir nada hoy. Lo siento. Lo siento”. Después diría : “Me casé con Joe estando llena de inseguridades internas… tengo demasiadas fantasías como para ser una simple ama de casa.”

1.- Marilyn Monroe – A Fine Romance

2.- Marilyn Monroe – Two Little Girls From Little Rock

Charlie Spivak (1905 - 1982)

Charlie Spivak. Vida y música

1.- Biografía de Charlie Spivak

2.- videos sobre Charlie Spivak

Nacido en Ucrania en 1907, emigró a los Estados Unidos con sus padres cuando todavía era un niño, estableciéndose en Connecticut. Spivak estudió trompeta en su juventud y tocó en en la escuela secundaria. Trabajó con bandas locales antes de unirse a la orquesta de Don Cavallaro.

En los primeros días de su orquesta ”Cheery, Chubby Charlie”, Spivak tocó la trompeta con sordina, tratando de proyectar un tono más suave. Más tarde pasa a tocar la trompeta abierta, por la que recibió grandes elogios de la crítica. Él fue uno de los mejores trompetistas de la época, aunque, sin duda, su éxito era ensombrecido por el de otro trompetista: Harry James.

A finales de 1950 Spivak se mudó a Florida, donde continuó dirigiendo una banda hasta 1963, cuando la enfermedad le obligó a retirarse brevemente. Después de recuperarse lideró bandas en Las Vegas y Miami. En 1967 organizó una banda pequeña que tocaba regularmente en su propio restaurante “Ye Olde Fireplace” en Greenville, Carolina del Sur. Spivak se mantuvo en el restaurante hasta su muerte en 1982. En sus últimos años dirigió una nueva orquesta de diecisiete piezas.

Charlie Spivak y su Orquesta – Mean to Me

Billie Holiday (1915 - 1959)

Billie Holiday. Su vida y su obra

Eleanora Fagan Gough (Filadelfia, 7 de abril de 1915 – Nueva York, 17 de julio de 1959), conocida como Billie Holiday y apodada Lady Day, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald, está considerada entre las más importante e influyentes voces femeninas del jazz. Su canto es una mezcla de sensualidad, pesadumbre, ironía y resignación.

El tema “Strange Fruit” fue considerado como la mejor canción del Siglo XX, por la revista “Time” en 1999.

Su corta vida fue casi puro sufrimiento. Hija no deseada de padres adolescentes negros. Su padre Clarence Holiday abandono el hogar cuando Billie era todavía un bebé. Su joven madre siempre llevó una vida mundana e irresponsable y la falta de ciudados personales y el abandono significó para la niña Billie ser violada antes de los 10 años. Hacia 1927 su madre la lleva a vivir a Brooklyn, New York, donde la presiona a ajercer la prostitución.

Hacia 1930-1931, Billie Holiday cantaba ya frecuentemente en varios clubes de Nueva York. Su popularidad empezó a cimentarse en 1933 cuando el productor John Hammond habló de ella públicamente en su columna de prensa y llevó a Benny Goodman a una de sus actuaciones. Después de la grabación de una prueba en los estudios de la Columbia, Billie se unió a un pequeño grupo de músicos dirigidos por Benny Goodman para hacer su debut comercial el 27 de noviembre de 1933 con la canción “Your Mother’s Son-In-Law”.

En 1932 fue descubierta por el productor John Hammond en el club de mala muerte llamado Monette´s. Hammond dispuso varias sesiones para ella con el gran Benny Goodman; su primer disco fue “Your Mother’s Son-In-Law” en1933.

Fue por ese tiempo que tuvo sus primeros éxitos como cantante. El 23 de noviembre de 1934 cantó en el teatro Apollo recibiendo buenas críticas. Su presentación con el pianista y posterior amante Bobby Henderson hizo mucho para consolidar su prestigio como cantante de jazz y blues. Poco tiempo después Holiday empezó a presentarse regularmente en numerosos clubes en la calle 52 y en Manhattan. Más tarde trabajó con estrellas como Lester Young, Count Basie y Artie Shaw convirtiéndose en una de las cantantes negras de jazz de mayor reputación.

Ya siendo una cantante famosa y respetada, Billie soportaba la discriminación social y racial,
cuando los empresarios que la contrataban le prohibían ingresar por la entrada principal del recinto y debiendo esperar en un cuarto oscuro lejos del público antes de salir al escenario.

El círculo social de Billie estaba rodeado de vagos, drogadictos, vividores y ateos que la indujeron desde temprano al consumo de marihuana y drogas psicoactivas, siendo la heroína la que finalmente la destruyó. Las drogas le causaron un deterioro físico progresivo hasta llegar a perder la voz. El espíritu joven de sus primeras canciones fue derivando a un matiz de pesar y remordimiento. Después de su muerte su obra musical influyó en cantantes tales como Janis Joplin y Nina Simone. En 1972, Diana Ross actuó para la película “Lady Sings the Blues”, basada en la obra autobiográfica de Holiday. Todo el mundo quedó sorprendido, la película fue un éxito comercial y ganó la nominación de mejor actriz para Ross. En 1987, el grupo musical U2 lanzo “Angel of Harlem”, en tributo a ella.

Después de dos matrimonios fallidos, el 28 de marzo de 1952, Billie se casó con Louis Mckay, un “pistolero” de la mafia neoyorkina. Mckay, como muchos de los hombres de su vida, era violento pero él la amaba y trató de sacarla de las drogas. Ya estaban separados en el momento de su muerte.

Varias de sus canciones como “God Bless the Child”, “I love you porgy” o “Fine and mellow” se han convertido en clásicos del jazz.

Cuando presentó una canción en contra de los linchamientos, “Strange Fruit” (Abel Meeropol), con textos como “southern trees bear strange fruit” (los árboles sureños dan extrañas frutas) le dio un puesto destacado no sólo en la historia de la música sino también en la de Estados Unidos.

Ray Ellis dirigió la orquesta del album grabado en 1958, titulado “Lady in Satin”. Recordando ese evento dijó en 1997: “Podría decir que el momento más emocionante fue cuando la escuché interpretar “I’m a Fool to Want You”. Había lágrimas en sus ojos…. Después de terminar fui al salón de control y escuché todos los temas”.

Billie fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión. Su tarjeta para trabajar en los clubs de New York (la New York city cabaret card) fue revocada, lo que imposibilitó que trabajara en clubes durante los últimos doce años de su vida. Posteriormente fue víctima de una estafa bancaria sobre sus ganancias y murió con tan solo $0.70 en el banco y $750 en efectivo. Al final de mayo de 1959 fue hospitalizada por dolor en el hígado y problemas de corazón. Fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio por posesión de narcóticos; en 1959, la adicción a los narcóticos era considerada un crimen. Billie Holiday permaneció bajo la custodia policial hasta su muerte por cirrosis hepática el 17 de julio de 1959 a la edad de 44 años. Su muerte pareció una cruel burla del destino; moribunda e inconsciente en la cama del hospital, la policía intentó esposarla acusada de consumir heroína mientras agonizaba. Billie Holiday fue enterrada en el cementerio Saint Raymond en el Bronx de Nueva York. Sus últimas palabras ante sus aprehensores fueron: “He vivido para sufrir…Quiero paz”.

1.- Billie Holiday – All of Me

2.- Billie Holiday – Ill Get By

3.- Billie Holiday – Mean to Me

4.- Billie Holiday – These´N That´N Those

5.- Billie Holiday – What A Little Moonlight Caan Do (Charleston)

La secuencia que verán a continuación aparece en la película “Deliverance” conocida en el estreno para el mundo hispano como “Amarga Pesadilla”. El niño que toca el banjo no es actor, es un muchacho autista que vivía en la gasolinera en la que se paró el equipo de filmación, cerca del lugar donde se desarrollaba la película.

Cuando uno de los actores cogió una guitarra y empezó a tocarla cerca del niño, se estableció un increíble diálogo entre los instrumentos, y el autista se expresó acaso de la única forma que deseaba hacerlo.

Así surgió epontáneamente esta notable escena que el director Boorman tuvo la feliz idea de no excluir de la película…

Fíjense en la expresión del niño… Al principio expectante y desconfiado, a medida que crece la intensidad de la la música se va dejando llevar por ella hasta transformar su expresión perdida en expresión de gozo, de inmenso placer, de alegría rescatada, gracias a ese guitarrista que “pasaba por allí”.

Su sentido del ritmo y su maravillosa técnica es realmente sorprendente.

El niño crece, brilla, vibra y exhibe su sonrisa escondida entre los pliegues de su deficiencia. Sonrisa maravillosa que la magia de la música hace aflorar al exterior.
Después, tras ese momento mágico y terminada la canción, vuelve dentro de sí mismo, dejando esa parte de su belleza eternizada en este film.

Serás testigo de un excelente duelo entre guitarra y banjo que marcó una época en la música country y en el cine de todos los tiempos.

A continuación les dejo una buena versión del bluegrass “Dueling Banjos”, interpretada por Roy Clark y Buck Owens.

todo sobre la película “Deliverance” en Wikipedia.

Web oficial Kings Of Leon

Web oficial “Kings Of Leon”

Old Crow Medicine Show – I Hear Them All (album Big Iron World)

- audio “Wagon Wheel” –